Les beaux-arts n’ont jamais été aussi lucratifs financièrement – ni moins centraux pour la culture américaine, écrit Sam Pizzigati.
Adrian Biddell, commissaire-priseur Sotheby, en 2013. (Financial Times, Flickr)
By Sam Pizzigati
Inequality.org
Vermeer. Velazquez. Kahlo. Ces noms vous disent quelque chose ? Ils représentent beaucoup pour les super riches du monde. Pour les personnes extraordinairement riches, les œuvres de Vermeer, Velázquez et Kahlo – et de nombreux autres grands peintres qui ont tant façonné notre façon de visualiser le monde – sont devenues bien plus que des pierres de touche culturelles dignes d’admiration. Pour ces riches et leurs gestionnaires financiers, le patrimoine artistique de l’humanité est devenu une « classe d’actifs ».
Une classe d’actifs extrêmement lucrative, comme nous l’ont encore une fois rappelé les enchères d’art haut de gamme de ce mois-ci. Plus tôt ce mois-ci, 35 chefs-d'œuvre de la collection du promoteur immobilier Harry Macklowe et de son ex-épouse Linda ont été mis en vente chez Sotheby's. Les experts avaient auparavant évalué les travaux à quelque 400 millions de dollars. Les enchérisseurs avaient autre chose en tête. Leur enthousiasme sauté le coût final de l’œuvre d’art mise aux enchères à 676.1 millions de dollars.
Seulement quatre jours plus tôt, lors d'une vente aux enchères chez Christie's, une collection d'art impressionniste que le regretté pétrolier texan Edwin Cox avait rassemblée avait atteint 332 millions de dollars, bien au-dessus des 268 millions de dollars prédits par les experts en art.
Mardi dernier, autre merveille : un autoportrait de la grande artiste mexicaine Frida Kahlo set "une référence aux enchères pour les œuvres d'art les plus chères d'un artiste latino-américain." Le prix final de vente aux enchères : 34.9 millions de dollars. Le disque précédent ? Cela représentait à peine 9.76 millions de dollars dépensés il y a trois ans pour un tableau de Diego Rivera, l'ancien conjoint de Kahlo.
Ce genre d’étiquettes de prix a propulsé le monde des beaux-arts dans un espace visuel totalement étranger à la vie que mène la grande majorité d’entre nous. Nous menons nos existences quotidiennes dans le kitsch commercial. Les très riches vivent dans une splendeur visuelle – et se présentent ainsi comme des bienfaiteurs altruistes des beaux-arts, des gardiens des plus belles réalisations artistiques de notre monde.
Siège social de Sotheby's à New York. (Jim Henderson, Wikimeidia Commons)
Aujourd’hui, peu d’observateurs conventionnels peuvent imaginer un monde de l’art sans les extrêmement riches. Les riches dominent les conseils de gouvernance des grands musées du monde. Ils ouvrent même occasionnellement leurs propres musées. Sans leur patronage, raconte l’histoire, notre patrimoine artistique disparaîtrait tout simplement.
Mais ce récit méga-riche comme notre salut culturel a tout à l’envers. Les riches du monde ne sauvent pas l’avenir de l’art. Ils l'étouffent, réduisant à la fois le public potentiel des beaux-arts et le bassin des créateurs de beaux-arts.
Comment cela pourrait-il être? Commençons par un constat simple et incontestable : dans le passé, les grands artistes étaient régulièrement issus de milieux modestes. Toute société qui valoriserait véritablement les beaux-arts s’efforcerait avec diligence d’identifier et de nourrir le talent artistique, où qu’il se trouve.
L’éducation artistique en déclin
Aux États-Unis, aujourd’hui, nous ne faisons pas grand-chose de tout cela. L'éducation artistique dans les écoles américaines est en déclin, suivant un déclin constant qui s'étend maintenant sur plus de trois décennies. conclut un rapport de commission du ruban bleu récemment publié par l'Académie américaine des arts et des sciences.
Ce déclin a frappé le plus durement les enfants les plus à risque du pays. Selon la Commission des arts de l'Académie américaine, les possibilités d'éducation artistique pour « les enfants dont les parents n'ont pas fait d'études secondaires » ont chuté de 77 % depuis 1982.
À New York, les dépenses en fournitures et équipements artistiques ont chuté de 84 pour cent entre 2006 et 2013, et plus de 40 pour cent des écoles des zones à faible revenu de la ville, à la fin de cette période, n'avaient pas un seul établissement certifié par l'État. professeur d'art en eux.
Récréation au MS 45 dans le Bronx, 2012. (Vert mat, Flickr, CC BY-NC-SA 2.0)
En 2017, le chercheur en éducation Ryan Shaw fait une plongée approfondie dans l'éducation artistique dans les écoles de Lansing, Michigan. Il a découvert des écoles élémentaires qui « offraient un seul cours de musique et d’art toutes les huit semaines ».
À Lansing, souligne Shaw, les déficits budgétaires avaient conduit à de fortes réductions de personnel. De telles réductions sont devenues un phénomène quelque peu chronique sur la scène éducative américaine, depuis que la révolution Reagan a accordé un statut de politique publique privilégié à la réduction des impôts des riches américains.
Certains de ces riches ont, à leur tour, investi une partie de leurs économies fiscales considérables dans une campagne « philanthropique » en faveur des « écoles à charte et d’autres approches basées sur le marché pour améliorer l’école ». Ces mouvements, note Sarah Lahm, du projet Our Schools de l'Independent Media Institute, n'ont fait que réduire encore davantage les budgets des écoles publiques locales. Et l’éducation artistique s’est retrouvée parmi les plus grands perdants.
Coffres-forts de stockage
Mais tous ces musées ne sont-ils pas les riches qui font des dons pour apporter l'art au peuple ? En fait, de nos jours, les riches n’apportent pas l’art au peuple. Ils prennent les œuvres d'art des gens et les déposent dans des coffres-forts dans les zones de « ports francs » mondiaux que les riches du monde utilisent pour esquiver les taxes de vente sur leurs achats d'œuvres d'art de plusieurs millions d'œuvres d'art.
« Rien n’illustre mieux l’approche de l’art comme lingot dans les habitudes de collection contemporaines que la prolifération des entrepôts. » note a analyse, « où les chefs-d’œuvre sont de plus en plus rangés par des propriétaires plus intéressés à les voir apprécier qu’à les accrocher aux murs ».
Dans une zone de « port franc » à l'extérieur du centre-ville de Genève en Suisse, « un complexe d'entrepôts gris et vanille entourés de voies ferrées, de routes et d'une clôture de barbelés » abritait à un moment donné quelque 1.2 million d'œuvres d'art, selon un gouvernement suisse. Audit. Horaires les journalistes Graham Bowley et Doreen Carvajal ont décrit ces entrepôts sombres comme « le genre d’endroit où la beauté va mourir ».
Avant-première de l'exposition Christie's à Hong Kong, 2012. (Sunbeamprowce, CC BY-SA 3.0, Wikimedia Commons)
Mais les riches n’achetaient pas les œuvres d’art dans ces entrepôts pour leur « beauté ». Ils les ont achetés comme investissements avec beaucoup de potentiel « d’appréciation ». Et les œuvres d'art peuvent très bien « s'apprécier » derrière les murs résistants au feu et les environnements climatisés des entrepôts d'art du monde entier.
Et qu’en est-il de ces musées d’art où les beaux-arts, du moins en théorie, restent accessibles aussi bien aux riches qu’aux pauvres ? Cette accessibilité a considérablement diminué à mesure que les musées des États-Unis ont approfondi leurs politiques d’entrée gratuite de longue date. D'ici 2018, Art Nouvelles calcule, seul un tiers des 240 principaux musées d'art du pays offraient un accès gratuit.
Parmi les frais d'entrée : le Metropolitan Museum of Art de New York, de renommée mondiale. Autrefois, l'artiste Charles Petersen a noté, le Met et d'autres institutions qui ont défini New York « espéraient diriger le monde » non seulement par l'ambition de leurs programmes et de leurs projets, mais aussi par la manière dont ils ont contribué à la « culture démocratique » de leur ville. Jusqu'en 1970, aucun des musées new-yorkais appartenant à la ville ne faisait payer l'entrée à quiconque. Le Met facture désormais jusqu'à 25 $ pour l'entrée.
Pour les administrateurs milliardaires du Metropolitan Museum of Art comme David Koch, ajoute Petersen, la décision du Met de 2018 qui rendait les frais d'entrée obligatoires pour de nombreux visiteurs constituait une étape nécessaire dans leur « longue marche » vers la privatisation des biens publics. Au moment de l'admission, Koch et ses collègues administrateurs du Met avaient un valeur nette combinée plus de 500 milliards de dollars.
Sam Pizzigati co-édite Inequality.org. Ses derniers livres incluent Le cas d'un salaire maximum et le Les riches ne gagnent pas toujours : le triomphe oublié sur la ploutocratie qui a créé la classe moyenne américaine, 1900-1970. Suivez-le sur @Too_Much_Online.
Cet article est de Inequality.org.
Les opinions exprimées sont uniquement celles de l'auteur et peuvent ou non refléter celles de Nouvelles du consortium.
L’art contemporain préféré des riches est l’art critique de l’art, à l’exception de l’art favorable à l’abolition de l’art, car il ne s’agit pas d’amélioration sociale. Il s’agit d’une forme vicieuse de philistinisme qui fait du bien aux riches.
La mort de l'artiste : comment les créateurs luttent pour survivre à l'ère des milliardaires et de la grande technologie, par William Deresiewicz
L’art devrait être librement accessible à tous, comme l’air, l’eau et le pain.
Chaque élève devrait avoir la possibilité de peindre ou d'être créatif de toute autre manière au moins une fois par semaine.
Ils essaient de détruire nos âmes.
L'art a été étouffé hors d'Amérique depuis les années 60, lorsque Warhol et Henry Geldzahler se sont entendus pour le remplacer par l'argent. Cela a commencé avec le blanchiment d'argent via des trafiquants de drogue et s'est lentement transformé en une marée haute d'investisseurs qui connaissent peu ou pas l'art, mais aiment ce qu'ils peuvent promouvoir.
Curieusement, le même étranglement s'est produit au cinéma, dans l'écriture, même dans le sport, l'argent règne et quelques-uns s'enrichissent, créateurs comme investisseurs. Dans le monde de l’art, un génie discret ne suffit pas. Pourtant, nulle part ailleurs que dans le monde de la peinture, les banques et les fonds n'ont porté les investissements artistiques jusqu'à une parodie aussi grotesque de l'esthétique, à cause des maisons de ventes aux enchères et de quelques marchands.
Mais l’Amérique n’a jamais été un centre du grand art au niveau mondial. Et notez que les sommes faramineuses sont toujours réservées aux peintres non américains.
Malheureusement, je peux vérifier la référence selon laquelle les musées d’art sont moins accessibles à tous. Quand j'étais jeune, j'ai passé de nombreux samedis à l'Art Institute (Chicago)……pendant que mon ami assistait à un cours d'art parrainé par l'Institut. J'ai emmené mes petits-enfants… qui n'aiment pas venir ici… compte tenu du taux d'admission élevé. Dieu merci, j'ai mes bons souvenirs… et je peux les partager avec d'autres…….contrairement aux dépôts d'art enfermés dans des bâtiments en attente de signaux de valeur croissante.